Anonim
Image

"Rei Kawakubo je arhitektica odjeće"

Izložba Metove Comme des Garçons pokazuje kako napredni dizajneri poput Rei Kawakubo koriste nove digitalne zanate kako bi manipulirali i tijelom i arhitektonskim prostorom, kaže Aaron Betsky u svojoj posljednjoj kolumni Opinion.

Na izložbi djela japanskog modnog dizajnera Rei Kawakubo u Muzeju umjetnosti Metropolitan u New Yorku nalazi se spoj arhitekture i mode . Ne samo da je Kawakubo, koja je osnovala i vodila etiketu Comme des Garçons, arhitektica odjeće, stvarajući strukture i oblike koje tijelo zauzima kao neovisna cjelina, već je i dizajnirala zaslon.

Kolekcija složenih krivulja izvedena u bijeloj boji koja igra pozive i reagiranje sa zaslonima, dizajn je jednako idiosinkratski u odnosu na ono u čemu se nalazi kao što je dizajn Kawakubo odjeće. Izložba me podsjetila na načine na koji se moda i arhitektura sve više isprepliću dok smišljaju kako smisliti svijet u kojem djeluju.

Ovo nije samo pitanje arhitekture koja postaje više modno orijentirana. Da, postaje sve efemernija, orijentirana na sliku, i podložna je modnim ciklusima, uključujući njezine stalne reference na klasična razdoblja (klasična, barokna, rokoko, neoklasicistička) i prisvajanje prethodno nadmašenog oblika za upotrebu od strane elite,

Ali, uz to, tehnologija, zanatstvo i fluidnost forme uzrokuju da se opozicija između stvari koje nosimo i stvari koje nas zaklone rastvara u korist strukturiranja individualnih i društvenih persona.

Tehnologija, zanat i fluidnost forme uzrokuju rastvaranje suprotnosti između stvari koje nosimo i stvari koje nas zaklonju

Otapanje zamrznutih oblika gradnje u fluidnije oblike zbog korištenja računalne tehnologije od strane UNStudiosa ovoga svijeta, asimilacije elemenata popularne kulture na fasade, pa čak i u tkaninu zgrada, poput OMA-e i njenog mrijesta, i ponovna pojava ideje o arhitekturi kao nečemu što se temelji na povijesti šatora i tekstila, svi su omekšali rubove arhitekture.

U međuvremenu, pažnja posvećena različitim načinima na koje građevine mogu odgovoriti ljudskom tijelu, najprije grubo kroz „inženjering ljudskih faktora“ i njegov još znanstveno sumnjiviji rođak, „zasnovani na dokazima“, a sada kroz rehabilitaciju ideja Jamesa J Gibsona o Prihodi od različitih firmi kao što su Zaha Hadid Architects, Nizozemska RAAAF i Snøhetta, također zamagljuju granice između usvajanja reakcija na tijelo i okvira arhitekture.

Napokon, popularnost predodžbi njemačkog filozofa Petera Sloterdijka o "mjehurićima", "pjenama" ili "sferama" dovela je do pitanja arhitekata da pronađu zajednicu između ormarića koje predlažu i okoline oblačenja odjeće.

Istodobno, modni dizajneri inspiraciju su tražili u arhitekturi. Minimalistički dizajneri od Pierrea Cardina do Ralpha Laurena i Toma Forda izjavili su svoju ljubav prema odbačenoj verziji modernizma, želeći apstraktirati tijelo u plutajućim avionima i uniformama koji nam se prikazuju kao dijelovi veće mehanizacije - iako neki s više sredstava lebde iznad nje u bijeloj bluzi ili savršenoj crnoj haljini.

Dizajneri poput Husseina Chalayana otišli su dalje, zamišljajući svoju modu kao namještaj ili integrirajući svoj dizajn u ekološke manipulacije prostora. Nekolicina arhitekata, poput Nigela Coatesa, također je prešla na dizajn objekata koji su hibridi između građevina i modnih predmeta.

Kroz to razdoblje neki su se modni dizajneri držali tradicije i vještina svoje discipline, pronalazeći načine kako ne toliko zamagliti granice, koliko razumjeti da slična pitanja - zaklon i udobnost, funkcija i oblik, ljepota i užitak - oživljavaju obje arhitekture i moda.

Njihov je oživljavanje prošlih tipova, od bustiera do slojevitih haljina, povijesnih uzoraka koje su ponekad pronašli u starim tekstilnim mlinarima, te obrta povezanih s njima, ponajviše nalik Vivienne Westwood, ali i u radu pariških couturiera poput Jean- Paul Gautier, uspoređivao je revalorizaciju drevnih zanata i povijesnih tipova u arhitekturi (kao što to ima, naravno, u svemu, od literature do glazbe). Rezultat nije bila ni mimika ne integracija, već odjek briga i stilova.

U mom umu, Kawakuboovo djelo pojašnjava potonji pristup. Počevši od kasnih 1990-ih, ona je razvila oblike koji su se ispucali, kosili i istiskivali iz tijela, dodajući priloge i tkaninu od proteza koji su prema tijelu imali malo veze s odjećom.

Iako se pri opisivanju linije Body Meets Dress / Dress Meets Body (1997), s vremenom postalo je jasno da ono što je mislila predstavlja istraživanje skulpturalnog i prostornog oblika, kao što su grčevi i tumori - potencijal svojstven couture.

Kawakubo djelo otkriva odjek briga i stilova

Ako je tradicionalna moda koristila znanje koje se razvijalo stoljećima za rezanje, oblikovanje i šivanje kako bi odgovaralo tijelu - sadržavalo ga, jastučilo, naglašavalo njegove najbolje osobine i skrivalo druge - koristila je isti zanat kako bi stvorila oblike koji su potpuno neovisni i često u kontrastu ljudskom obliku.

Ponekad, kao kad je okrenula muški dvosjekli, odijelo za provjeru princa od Walesa na mjestu za oružje pogodno za Michelinova čovjeka (Beskonačnost krojenja, 2013.), dodatna jedra od tkanine koja se odvila ispod ograde i izrezala - u širokim hlačama (Persona, 2006-7), oblici su imali učinak ili na naglašavanje ili nasušenje moći koju su ova odijela trebala izraziti.

U drugim su vremenima pokupili tradiciju pretvaranja tijela u apstraktni objekt većih razmjera, učinak koji je Kawakubo postigao suknjama s obručima, bodovima, šeširima i drugim strukturalnim dodacima ili dodacima (Ceremonija razdvajanja, 2016). Ona ih je ili apstrahirala ili ih pretvorila u hibridne likove u kojima se velike suknje pretvaraju u mase isprepletenih šipki (Not Making Clothing, 2014).

Učinak ovog ovog rada bio je da njezine kreacije imaju aktivan i kritički odnos s osobom koja ih nosi, kako u pogledu njezine osobnosti, tako i tijela. Tko ste i kako izgledate, pokazao je Kawakubo, može biti nešto fleksibilno i dizajnirano. Moda bi mogla imati istu sposobnost kadriranja i deformiranja vašeg javnog izgleda i vašeg osobnog osjećaja udobnosti za koji je arhitektura odavno tvrdila.

Baš kao što je kuća mogla biti velika i apstraktna verzija kako ste sebe vidjeli ili kako ste se uklopili u društvo, i baš kao što bi se poslovna zgrada mogla uklapati i proširiti korporativnu moć, tako bi moda mogla učiniti ljudsko tijelo u početnoj točki, nije kraj, tko smo i kako se pojavimo.

Kawakuboova druga tehnika, razbijanje haljina u trake i spajanje zajedno u nepotpune kostime, učinila je modu citatom fleksibilnom i ispunjenom rubovima poput protoka slika koji nas okružuje i neprestano se pojavljuje na našim ekranima ( Unutrašnji ukras, 2011).

Tko ste i kako izgledate, moglo bi biti nešto fleksibilno i dizajnirano

Mi promatramo našu stvarnost u takvim mrljama boja i oblika, u kojima vrijeme i prostor imaju važnost manje od snage nečega što vidimo izvan ugla našeg oka, a Kawakubo je u napuštanje ušao u imagosferu, prateći povijest modure tako da bi ona taj plutajući svijet mogla učiniti svojim.

Sve se to pojavljuje na izložbi Metropolitanskog muzeja u arhitekturi koja je jednako rastavljena i iskrivljena. Nošnje stoje u nišama koje su kombinacija polukruga i tri četvrtine krugova, u odsječenim kvadratima, u cilindrima ili konzolnim kutijama.

Lutaš kroz ove odlaske iz potrage za idealnom arhitekturom bez ikakvog jasnog puta. Neglazirane vitrine sjećaju se građevina dok sklonju i uokviruju svoje subjekte, ali čini se da nemaju logičan odnos ni s modom ni s gledateljima.

Čitav sklop sjedi ispod odsjaja fluorescentnih cijevi, bez pokušaja da se niti jedno od modnih točaka opazi. Kawakubova arhitektura jednako je igra fragmenata koji razdvajaju naš osjećaj definicije i izvjesnosti koliko i njezin dizajn odjeće.